“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
“Apología al Horror Cósmico” – Daniel Rodríguez Schrader
Ensamblaje, diorama e instalación recubierta de dorado generada a partir de una base de materiales mixta con un origen en la actividad industrial tales como el cemento, yeso blanco y metal , que luego han sido transformados y destruidos por una masa amorfa proteica alienígena y robótica que destruye todo lo que toca y genera caos.
La realidad a la que estamos acostumbrados se va debilitando lentamente ante la presencia de esta masa ajena a nuestro concepto de forma, orden y belleza. Lo anteriormente nombrado hace referencia al horror cósmico o cosmicismo creado por el escritor estadounidense H.P Lovecraft, el cual examina como la humanidad es insignificante en el gran mapa de la existencia intergaláctica, indefensa ante lo que está más allá de nuestro conocimiento. El hombre es insignificante ante el gran esquema del universo y a partir de estos predicamentos se desarrolla una forma estética que en últimas apela y embellece el miedo y la ansiedad, de ahí el dorado, generando una apología al género del horror cósmico. La idea es generar un ambiente que envuelve al espectador y le muestra la destrucción y el caos de una realidad no muy lejana a la nuestra en la que la civilización fue atacada por alienígenas robóticos, trasplantada de un universo paralelo y transportado a nuestra actualidad.
Comentarios de los jurados
¿Justificación al miedo de ser? o ¿Alabanza a la repulsión de tener que ser?
Evadir rótulos o etiquetas que encasillen el trabajo en un género es ya una actitud habitual en algunos artistas contemporáneos. Pareciera que en la práctica, esto permite una movilidad entre disciplinas y técnicas que alimenta las investigaciones desde lugares fértiles, que abren nuevas posibilidades en las artes plásticas. ¿Que puede ser y hacer un artista? Lo que él o ella decida. Basta con revisar la trayectoria de algunos de los artistas contemporáneos con mayor visibilidad en occidente para validar la afirmación.1
Ser es el más general de los términos. Con la palabra «ser» se intenta abarcar el ámbito de lo real en sentido ontológico general, esto es, la realidad por antonomasia, en su sentido más amplio: «realidad radical». El Ser es, por lo tanto, un trascendental, aquello que trasciende y rebasa todos los entes sin ser él mismo un ente, es decir, sin que ningún ente, por muy amplio que sea y se presente, lo agote. Dicho de otro modo: el Ser desborda y supera dialécticamente el mundo de las formas, el mundus asdpectabilis, trasladándose en otro contexto, «más allá del horizonte de las formas», más allá de toda la “morfología cósmica”2
Se podría decir que los artistas contemporáneos de la cultura dominante comparten la distancia con esa figura del artista moderno, donde al artista se le define como un individuo dotado de genialidad y originalidad que se manifiesta en el dominio de una técnica, de un medio específico y estilo único de hacer, y su obra se entiende como parte de un movimiento o grupo.3 En una actitud diametralmente opuesta, encontramos en el arte contemporáneo, artistas que nutren sus investigaciones rompiendo fronteras entre disciplinas de conocimientos especializados, generando proyectos en donde el individuo y las condiciones de su entorno son el detonante para investigar. Releer, reflexionar, resignificar, conectar, están por encima de autodenominarse desde el dominio de una técnica específica , o de ser parte de un movimiento artístico. Por el contrario, se enfrentan al arte desmarcados de sellos y formas establecidas, problematizando lo que se entiende por ser artista y por obra de arte, con la libertad de plantear múltiples problemas y usar el medio requerido para materializar cada una de sus obras.4
Ejemplos de esa movilidad o flexibilidad son artistas como: Damien Hirst, quien no solo diseca animales, él pinta, hace esculturas y hasta usa medios audiovisuales para falsos documentales como el proyecto presentado en la Bienal de Venecia, ̈Treasures of the arcade world ̈5. Ai Weiwei va y viene entre objetos y acciones, construye objetos, realiza apropiaciones de cosas con alta carga histórica, y esto no le impide grabar un álbum musical titulado “The Divine Comedy”. En la práctica, estos artistas convergen en lugares de conocimiento y pensamiento, y por ende, tienen la facilidad de que sus obras sean presentadas en relación a distintos momentos, temas e intereses. Tal vez sean la sensibilidad y la poesía determinantes de la condición humana, lo que hace que obras de arte no dependan de un género o técnica para existir.
En contraposición a esa flexibilidad entre medios y técnicas, se encuentra el artista Chesley Bonestell, desconocido para el circuito dominante del arte, porque en su momento no estaba en la línea de críticos como Greenberg, Rosenberg o Foster. Bonestell estudió arquitectura en la Universidad de Columbia en Nueva York, diseñó la fachada del edificio Chrysler, el monumento Plymouth Rock Memorial y trabajó en el diseño del puente Golden Gate. Pintó desde la década de 1930 imágenes del espacio exterior. De manera obsesiva, desarrolló un grupo de pinturas que se fueron constituyendo en el imaginario del espacio exterior para los habitantes de Estados Unidos que consumían magazines como Collier ́s o Life, en donde se publicaban las ̈ilustraciones ̈de Bonestell. Tal fue su insistencia, que al cabo de unos años y en plena carrera y guerra fría por conquistar el espacio, sus pinturas de Titán, la superficie de Marte, los anillos de Saturno, la base espacial en la Luna, se convirtieron en el referente de cómo se veía el espacio exterior y la NASA acudió a sus servicios para crear y presentar el espacio a EE.UU. Tal fue el poder de esas imágenes, o visiones de Bonestell, que aún hoy tienen vigencia. En su momento, su trabajo fue requerido por disciplinas como la arquitectura, el cine6 y la ingeniería espacial. Resulta que el diseño de la estación espacial se inspiró en una de las pinturas de Bonestell, los ingenieros espaciales entendieron que la forma podría funcionar en las condiciones requeridas, y así fue, Bonestell abrió un camino desde el arte a la ciencia.7
En el proyecto de grado Apología al horror cósmico, el conjunto dispuesto entreteje coincidencias para señalar tradiciones que reconocemos como cercanas. De alguna manera, se pierden las jerarquías, se entra en una relación horizontal entre Stone Age, Allien, Indiana Jones, Richard Serra, Claes Oldenburg, Miquel Cárdenas y Feliza Bursztyn. Si bien puede ser la tradición iconográfica lo que equipara a cada elemento, conceptos y preocupaciones propios de la escultura y la instalación como el peso, la masa, el volumen, la materia, la composición, la adición como estrategia y técnica, el ensamblaje, el uso del color (el dorado podría ser el equivalente a lo que significó el azul en Klein, acá el color conecta con la leyenda de El Dorado y la civilización perdida, al tiempo que trae la estética vernácula de celebraciones tipo bautizo, 15 años o matrimonio).Lo anterior, sumado a la relación entre objetos y arquitectura, hacen que el proyecto presentado por Daniel se inscriba en la producción de arte contemporáneo.
El humor, el cine, la ciencia ficción, el diseño de escenografias, la escultura, la objetualización, el dibujo, el happening, por nombrar algunos intereses que se evidencian en el proyecto de Daniel hacen del trabajo un buen inicio y deparan un campo amplio de investigación para su futuro desarrollo como artista plástico.8
Hans Ulrich Obrist en una entrevista a Gerard Richter le formula la siguiente pregunta, ¿ Cómo será la pintura en el siglo XXI? Richter le responde: La pintura en el siglo XXI será como los artistas que pinten en el siglo XXI quieran que sea.
1 Tacita Dean, Francys Alys, Damien Hirts, Bansky, Guillermo Kuitca, Gabriel Orozco, Urs Fischer. En Colombia un ejemplo de artista que acude a diferentes medios y técnicas en su práctica es Mario Opazo.
2 Tomado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Ser
3 Ver Martha Traba, Clement Grenberg, Harold Rosenberg.
4 Ver los siguientes ejemplos:
https://www.aiweiwei.com/mixed-media/music-videos/laoma-tihua/index.htmlhttp://www.moonmoonmoonmoon.com/#sphere https://news.artnet.com/the-big-interview/anish-kapoor-interview-2-1698177 https://francisalys.com/sometimes-making-something-leads-to-nothing/
5 Ver en Netflix
6 Algunas películas en las que trabajó Bonestell: Only Angels Have Wings (1939)
Citizen Kane (1941) Destination Moon (1950) War of the Worlds (1953) Cat-Women of the Moon (1953) Conquest of Space (1955)
7 https://www.youtube.com/watch?v=63JOUtTHwxE
8 Un ejemplo reciente de exposición de escultura de artistas con experiencia en el cine y tv es la exposición Birth Machine Baby, Gagosian Gallery NY.
Tanto en el texto como en la presentación que Daniel Rodriguez hizo el día 10 de diciembre 2019, se pueden identificar dos mundos referenciales importantes:
1. En el Cine, La ciencia ficción de horror
2. En la escultura, los conceptos de la escultura no formalista, o las estructuras blandas.
De acuerdo al primer referente, el trabajo tiene una fuerte intención narrativa de ficción, según lo manifiesta el estudiante en su presentación y en su texto. De manera coherente con esa intención, Daniel Rodriguez toma decisiones plásticas y espaciales más cercanas a la construcción de una instalación escenográfica. En esas decisiones se nota una fuerte voluntad creativa, un gusto y un conocimiento de ese referente cinematográfico, una pasión por el trabajo plástico y por la práctica instalativa en el campo de la escultura. Pienso que que valdría la pena seguir explorando esas potencias y profundizar en las posibles hibridaciones con las prácticas artísticas del arte contemporáneo.
Según el texto de Daniel Rodriguez y sus palabras durante la sustentación, el segundo referente daría una aproximación al uso y aproximación al material dentro del proyecto. En este aspecto, creo que le falta claridad conceptual para poder asumir decisiones plásticas en donde los referentes que son de su interés puedan encontrarse y dialogar de alguna manera (ficción horror y escultura no formalista). Asumiendo que en el arte contemporáneo es muy valioso el encuentros de lenguajes, géneros y practicas artísticas y que justamente una de las características del arte contemporáneo son esas hibridaciones, hace falta conocer los elementos elegidos para poder producir un ser de sensación o un dialogo propositivo entre ellos.
En el trabajo que Daniel Rodriguez presenta, sería importante poder diferenciar conceptos básicos de la escultura como forma/no-forma, material/ objeto, narrativo/abstracto o presentación/representación. De el mismo modo,
creo que es importante comprender que los procesos escultóricos, y la elección de los materiales, aportan un elemento conceptual y poético a la obra. Siendo así, sería importante que Daniel reconociera la diferencia que hay entre ensamblar objetos y materiales frente a la práctica escultórica de activar un material dispuesto en un lugar. En la sustentación, el estudiante se presentó confuso y defensivo frente a las preguntas que apuntaban a distinguir estos conceptos de la práctica artística.
Comprender estos elementos, poder teorizar sobre ellos, son ejercicios académicos que enriquecen la práctica artística y que además dan herramientas para la vida profesional. En este caso, creo que estas claridades conceptuales ayudarían justamente a producir ese dialogo entre los referentes que el estudiante ha elegido de acuerdo a sus gustos.
