No era lo que esperaba pero estoy satisfecha – Proyectos de grado de Arte

A mi modo de ver la pintura es un medio mediante el cual es posible realizar un sinfín de imágenes, de propuestas visuales, capaces de convertirse en una especie de cosmos en sí mismas. Por tanto, partiendo de una búsqueda ardua y constante con la pintura, con el control y el azar que ella pueda presentar, elaboré un conjunto de imágenes que se relacionan compositiva, formal y cromáticamente. En estas pinturas y pinturas escultóricas intento crear o hacer visible una suerte de universos singulares que, al disponerse todos en un mismo espacio, generan la sensación de un solo universo particular e indeterminado que no existe en el mundo físico real que habitamos.

Acumular, clasificar, apilar, encajar, prolongar, repetir. Un ciclo perpetuo que viaja conmigo. Al encontrarme con agrupaciones de objetos, producto de estas acciones, el ciclo resuena en mi cabeza. Inventario constituye un conjunto de piezas que surge del registro de estos encuentros fortuitos en diferentes contextos. Las formas, masas y superficies que se derivan de estos grupos de objetos, se documentan en un archivo. Se incluye nombre, fecha, ubicación, material y descripción. Posteriormente, se rescatan encuentros con objetos particulares que, inventados para cumplir funciones específicas, reflejan características de la idiosincrasia colombiana, principalmente, la recursividad. Los procesos de acumulación e inclusive de hibridación presentes en su construcción, marcan la pauta para explorar las posibilidades formales y estructurales que permite cada uno.

Una vez leí que el amor no era un sentimiento, decían que era solamente un impulso eléctrico, una rara sensación o impulso que se creaba en el cerebro. Buscando en google encontré un articulo cuyo título está escrito en una letras grandes y azules que enuncian:

“Descubierto el origen cerebral del amor”

La primera frase de este artículo dice lo siguiente “El amor romántico, analizado por imágenes de resonancia magnética, es un conjunto de impulsos eléctricos difícilmente medibles.”

Siempre he pensado que el amor es una sensación rara. Siempre he pensado que sentir es raro, sentir es algo innato del ser humano. Todo el tiempo sentimos. Algo, cualquier cosa.

La obra consta de una serie de dibujos en pastel y carboncillo de 105 cm por 75 cm de fachadas de edificios de la arquitectura modernista de la época de los 70, dibujos de tamaño carta de casas del mismo estilo y grabados del mismo tamaño que los grandes. La obra se centra en una relación entre el habitar y la proyección de quién habita el espacio, teniendo a los grandes edificios como el punto de enfoque y a los pequeños como apoyo en la idea de la percepción de identidad. Por medio del ejercicio del dibujo y de la representación se va creando una imagen que no hace parte de la realidad concretamente pero que se encuentra dentro de la posibilidad de ser real. Los dibujos grandes permiten la creación de una realidad que puede o no llegar a ser posible y que dentro de las reflexiones permite establecer conexión con las casas y el peso que tiene la identidad propia del habitante ya sea como espacio de trabajo o el hogar. Igualmente, la repetición fundamenta la identidad a partir de la reflexión entre lo particular y lo individual.

Tejo y me vuelvo pájaro
El bosque se vuelve nido
Mis pies se hacen pesados
Mis alas piden permiso.
Vuelo y voy soltando
Mis secretos por el camino, Vuelo y me voy tejiendo, Desciendo, duermo en mi nido. El bosque me cobija,
Y yo lo sueño,
lo respiro.

Partiendo de la necesidad de darle un espacio físico a las sensaciones de seguridad, protección y nido que me produce vivir en el bosque, dispongo a modo de refugio, tejidos y estructuras elaboradas con material vegetal encontrado al recorrer el mismo. El proyecto se desarrolla como un ejercicio de observación atenta y recolección de entramados propios de la naturaleza, como lo son líquenes, hojas de pino, nervaduras y musgo, combinadas con bordados y tejidos cuya elaboración funciona como un momento de reflexión en torno a mi relación con el bosque.

Al final no fui yo el que la creo, ella me llamaba, y yo solo obedecí. Así nace esta serie de grabados en madera, en donde la estampación se deja a un lado y la matriz, dejando de ser solo formato para impresión, toma lugar como la obra en si.

Una poesía visual y narrativa a la búsqueda y exploración del uno, del amor, del encuentro, de la vida, de la soledad, del origen, de la unión, del nacimiento, y de la destrucción por consecuencia de todo lo anterior; y así mismo su renacer. Donde las líneas toman forma y estás formas se vuelven símbolos para esta historia; la historia de ella.

Muy breve descripción de ella: Ella es el mundo, la tierra, los animales, eso, ellos, nosotros, el, ella, tu, yo.

No sé de qué se debe tratar una tesis. No sé sobre qué hacerla. No sé por dónde empezar y quisiera estar haciendo otras cosas en vez de trabajar en esto. Podría abrazar a mi gato, mirarme al espejo, bailar salsa, chatear, transcribir cuentos de otros, salir a caminar, cantar canciones, huir, respirar, cocinar un huevo frito, tirar con él, dudar, hablar con mi hermano, escribir lo primero que se me ocurra, cortarme el pelo, insistir, buscar su signo zodiacal, nadar, bañarme, leer, dormir, organizar mi cuarto, recordar tantas cosas, jugar.
O podría, por el contrario, definir un tema y un objetivo, delimitar, leer la bibliografía relevante, tomar decisiones concretas, ser novedosa y ser coherente. No sé.

Un texto en el que reflexiono sobre algunos eventos que considero que han marcado mi vida es el punto de partida de este proyecto. Su escritura fue un intento de establecer los orígenes de las narraciones que me cuento sobre mí mismo y, así, darles sentido para apropiarme de ellas. En el proceso me sorprendí retornando una y otra vez a la casa de mi niñez. Este redescubrimiento de mi historia fue revelador, pero no suficiente. Todo contar es un contar ante alguien más. El impulso original por dar cuenta de mí mismo pronto se transformó en el deseo de compartir lo que había encontrado. En las conversaciones que ese texto propició, me topé con las experiencias homólogas de otras personas: al romper el silencio sobre mi pasado, apareció con cada una de ellas un nuevo horizonte, común y más allá de lo autobiográfico. Dichos horizontes son unos nuevos textos que son, a su vez, guiones.

El resultado de este proyecto es la puesta en escena de soliloquios que se repiten una y otra vez en una casa en ruinas: una cacofonía de voces que inunda el espacio e invita a recorrerlo.

Agujero Blanco es un proyecto escultórico el cual se lleva acabo por medio de acciones en diferentes lugares inhóspitos: «Se trata de una región finita del espacio-tiempo, visible como objeto celeste con una densidad tal que deforma el espacio pero que, a diferencia del agujero negro, deja escapar materia y energía en lugar de absorberla. De hecho ningún objeto puede permanecer en el interior de dicha región durante un tiempo infinito. Por ello se define un agujero blanco como el reverso temporal de un agujero negro: el agujero negro absorbe a su interior a la materia en cambio el agujero blanco la expulsa.»

Para dar inicio a esta obra, es preciso decir que los procesos creativos que surgieron a partir de la experimentación en torno al acto reflexivo de elementos como la luz y el color, permitieron el desarrollo de diversos proyectos. Simultáneamente, los métodos de acción resultantes fueron aplicados sobre los materiales, en una primera instancia, y consecuentemente en el espacio. Debido a esto, fue posible dar pie a la concepción sensible de la obra en su totalidad. Así mismo, la construcción fue parte del transcurso de creación que, junto a elementos específicos, generaron una composición intelectual y material. Debido a esto, la recreación sensible nace desde las vertientes experimentales que fueron potenciales para toma de decisiones y así, generar una creación continua de la obra.

El mundo no es imperfecto ni se encuentra en vías de un lento perfeccionamiento. No, es ya perfecto en cada instante: cada pecado lleva en sí la gracia, en cada niño alienta ya el anciano, todo recién nacido contiene en sí la muerte, todo moribundo, la vida eterna.

“Siddharta” (1922), Hermann Hesse

Hay muchos eventos de nuestra infancia que parece que hemos olvidado y han sido eliminados totalmente de nuestro recuerdo. Un día, algún suceso actual, o en un esfuerzo por encontrarlas, resucitan ciertas imágenes, sensaciones y emociones de aquella niñez.

En un intento por entender el conflicto armado colombiano y plasmarlo a través del arte, resurgieron ciertas memorias y sensaciones de mi infancia. Una infancia alejada de esa guerra, pero que, sin duda, no era indiferente. Así, a través del carboncillo, procuré interpretar y representar las sensaciones que en algún momento de mi vida me suscitó ese conflicto. Ese que alcanzaba a captar a mi corta edad, y mediante las noticias, la radio y lo que decían los adultos a mi alrededor.

Esta instalación audiovisual hace homenaje a la vida de María Elena Duque Parada.

El ingreso contiene una serie de paneles con fotografías sobre la naturaleza de Bojacá, pasando por un piso falso de piedra, buscando recrear el camino que ella tenía que cruzar para llegar a la casa de sus padres. Toda la exposición será ambientada con una serie de grabaciones de pájaros, insectos y perros.

Al ingresar a la sala encontrarán la imagen de María Elena en la mitad del salón, y alrededor habran 5 estaciones históricas; Cada estación contiene una imagen de fondo para contextualizar la época, además de que contará con imágenes superiores de su vida de acuerdo al momento histórico en cuestión.

Si estas paredes hablaran contarían la historia de mi vida y la de mi familia, todos los momentos y memorias que formé en ellos. Si estos pasillos pudieran gritar me recordarían al oído el largo recorrido de mis pasos, el cómo llegué cansada y frustrada a descansar en sus habitaciones. Si estos muebles tuvieran voz quizás darían sentido de estas nostalgias y desde su quietud sabrían explicarme cómo crecí entre tanto movimiento. Si estos objetos hablaran contarían todas las charlas que tuve con mi abuelita, todas las historias que compartían mis tías entre cigarrillos a escondidas en la cocina; mientras que la luz observaba todo lo que se iba envejeciendo y deteriorando.

“Si estas paredes hablaran” es una búsqueda de entender el discurso de las casas que he habitado, explorando mis archivos familiares y las sensaciones que cargo conmigo, mediante la instalación. Tratando fenómenos como: las memorias, los apegos emocionales a lo espacial, la adaptación a las necesidades del habitar, y la identidad que ello forma en los sujetos. Recordando que la casa no sólo es un espacio sino una historia, pero sobretodo una historia condensada que traslapa los tiempos y construye ficciones inhabitables en la memoria. Una memoria fragmentaria, una casa que recordamos a pedazos.

El proyecto audiovisual propone una emulsión de los colores entre lo objetivo y (en mayor medida) lo subjetivo. Lo objetivo (que siempre esta presente ya sea en la obra misma o en el espectador) cabe un poco en la psicología del color en donde se clasifican uno o varios sentimientos/ sensaciones/conceptos según el color. Por otro lado se encuentra lo subjetivo del color que en este proyecto se plasma a través de la edición digital, en donde se manipula el color para crean nuevas imágenes o “sentidos”. Por lo tanto, lo subjetivo en términos de edición/creación es el foco principal, esto se muestra atreves de tres colores: rojo, verde y azul (RGB). Siendo los colores mismos y sus movimientos, los protagonistas de la obra.

A través de los años, me he encontrado continuamente expuesto al gran flujo de imágenes provenientes de distintas fuentes, ya sean los diarios o noticieros, las redes sociales o el mismísimo arte. Todas transmiten información, a partir de la cual construimos nuestra identidad y creamos consensos con los demás sobre la realidad en que nos encontramos. Sin embargo, la expansión de la tecnología nos ha proporcionado la posibilidad de ver más, y más rápido. Esta ventaja, podría ser también una desventaja, cuestionándonos sobre ¿Qué filtros utilizamos para pescar en este inmenso mar de información? ¿Vemos? ¿Observamos? ¿Ojeamos? ¿Cuestionamos? ¿Vemos la información como realidad o como imagen?

La obra “Periferia” explora una nueva forma de acercarse a la problemática de la transgresión de la naturaleza a manos del humano, haciendo énfasis en la fuerza y extrañeza de la imagen, Y sin exponer directamente el conflicto, brinda al espectador una contextualización que contrapuesta a la imagen creada, cambia el tono y la forma en que se desarrolla la temática. Así, planteo el problema en sí mismo como una materia prima para crear una imagen basada en la versatilidad y posibilidad de convertir objetos simples y cotidianos en “ecosistemas” que dan vida a la obra. En la cual desde la exploración del concepto, la materialidad y la perspectiva como elementos principales, se desarrollan los tres espacios que la componen: El océano, el bosque y la ciudad, planteados como una videoinstalación donde se exploran las posibilidades plásticas y visuales de estos ambientes recreados para entender la relación de las composiciones que se generan a partir del análisis y abstracción de cada espacio con la escala, la perspectiva, el contexto y el espectador.

El machito, es un proyecto que busca mostrar la fragilidad del hombre y como este vive bajo estereotipos marcados por una sociedad, religión o cultura. El proyecto en sí requiere, relatos, experiencias y testimonios basados en la vida de los hombres y las situaciones en las que normalmente actúan de cierta manera sin saber por qué lo hacen. Consta de una serie de fotografías donde se ven reflejados los temas a tratar. Se verán temas como cuerpo, genero, conocimiento propio, emociones, estereotipos masculinos, expresión de sentimientos, masculinidad, fragilidad, vulnerabilidad, miedo al qué dirán e historia del cuerpo. Se busca con este proyecto, dar otra perspectiva frente al comportamiento masculino frente a las situaciones de la vida diaria.

El contrabando y el auge de la «bonanza marimbera» de los años setenta moldeó la cotidianidad y los pensamientos de los habitantes del departamento de la Guajira y gran parte de la Costa Caribe colombiana. Una sociedad, que durante esta época, encarnó ideales de masculinidad y valentía, exigidos por la práctica de la ilegalidad. La personalidad conservadora de los guajiros empezaba a jactarse inconscientemente de haber creado un territorio utópico y sin ley, de vida fácil, dinero y violencia. Se crea así, un estereotipo sobre el territorio, en el que los idolos vallenatos eran la representación culminante de este, pues sus parrandas, se convierten en la expresión máxima de lujuria y ambiciones. Escenarios y comportamientos irreales, que se legitiman tanto en la comunidad como en el individuo, a través de la cultura musical, del ídolo y de su discurso.

Los Confidenciales son una serie de publicaciones que parten de secretos. Estos secretos los fui recolectando a lo largo de un año de diferentes maneras y en todos los casos las personas sabían que sus secretos iban a ser usados en este proyecto. Algunos llegaron de manera anónima a través de postales que dejé en diferentes lugares, otros me fueron dichos personalmente, y otros fueron apareciendo a través de actividades y situaciones. Fui recolectando secretos por que son algo que nadie quiere contar en una época en la que todo se cuenta, son un reflejo y a la vez un residuo de todos nosotros. Aprovechando las facilidades que brinda la autopublicación, decido jugar con el formato de las para que respondan o se relacionen con los secretos que contienen.

El proyecto se conforma como una instalación sonora compuesta por una serie de artefactos que emiten sonido. Estas piezas sonoras serán flautas, construidas a partir de palos de bambú, que funcionarán por medio de un impulso hidráulico y serán accionados mecánicamente por los espectadores. Estos aerófonos emiten sonido gracias a la presión del agua, que se encarga de empujar el aire de las cavidades del bambú y forzar el flujo de aire para generar diversos tonos. La diversidad del sonido se da a partir del estudio previo de múltiples instrumentos, tanto actuales como de diversos grupos indígenas. A partir de estos objetos se busca crear una relación entre el medio ambiente y el espacio humano-ecológico que media la relación. Por otro lado, los sonidos del agua producidos por estos artefactos serán amplificados a partir de parlantes ubicados en distintas partes del espacio. La relación entre los objetos sonoros de bambú y la transformación de sus sonidos por medios electrónicos serán la base de la reflexión del proyecto. Más aun, la interacción de las personas con los objetos sonoros será clave para generar una heterofonía, una construcción compartida de la experiencia sonora.

Este proyecto busca poner en cuestión ciertos paradigmas y nociones respecto al habitar el espacio público, sobre todo, en tiempos donde la institucionalidad local ha regulado radicalmente este ámbito y ha vulnerado a las personas que hacen parte de él. En este sentido, el proyecto busca hablar de las personas que habitan el espacio público, de aquellos que permanecen y construyen su vida en éste. Por medio de la imagen fotográfica plasmada en la calle a manera de “inmortalización efímera”, se busca interpelar al transeúnte cotidiano, al espectador desprevenido. A partir de la intervención en lugares y “no lugares”, se quiere dar cuenta tanto de la presencia y formas de habitar el espacio, como de la marginalidad que habitan estas personas. En una ciudad donde el arte urbano es vandalismo y donde habitar el espacio público es ilegal, pegar fotografías de estas personas resulta un gesto simbólico y urgente.

“B es cualquiera que me ayude a matar el tiempo.
B es cualquiera y yo no soy nadie. B y yo.
Necesito a B porque no puedo estar solo.” Andy Warhol.

Por un largo rato he hecho una sola cosa con mi tiempo; gastarlo con la gente, en la calle, en fiestas, en casas, de noche, ebrio, desubicado. Ahí me pareció llamativo salir a parchar, ver que está pasando, qué se está diciendo, no solo entre personas sino con el espacio donde se parcha, la calle, la discoteca, el chuzo donde se toma pola. Este proyecto se alimenta de este ambiente para hacerlo evidente, para mostrar todo lo que sucede ahí, en función de generar un dialogo entre momentos distintos, estar ebrio o sobrio, noche o día, inconsciente o consciente, usando un lenguaje gráfico de calle como posters y anuncios LED, además de las fotos instantáneas polaroid que mencionan este momento que se tiende a olvidar debido a su inmediatez.